Pardes di Alessandra Paradisi (collana Fuochi, diretta da Ottavio Rossani)

 Poema inusuale e imprevedibile, questo Pardes (Paradiso): nel nome dell’autrice c’è il suo destino letterario. Leggere il dettato biblico della Genesi sulla propria misura di poeta, che interpreta, ma soprattutto intuisce. La meta: tradurre i pensieri del testo sacro in una leggibilità contemporanea. Un’ispirazione di umanità lontana dalla storia, nell’annullamento dello spazio-tempo, per respirare l’illuminazione del racconto eterno della Creazione. Il coraggio sfiora l’ardimento di capovolgere il senso della visione e suggerire l’umiltà di conoscere l’esperienza umana attraverso il rigore letterario del proprio nome, invertendo la prospettiva storica dell’esistenza: non più il passare del tempo, ma il sentire dell’essere. (Ottavio Rossani)

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Alessandra Paradisi e il suo impegno per dare la parola alle donne

Siria. La testimonianza di Alessandra Paradisi, Vicedir. Rel. Istituz. e Internazionali della RAI

Olocausto di Luca Imperiale (I Quaderni del Bardo Edizioni di Stefano Donno)

 “Un bel giorno – i giorni sono belli – mi sono svegliato dove non c’erano le mie finestre né i miei quadri, non c’era il crocifisso, il letto era un altro letto: non era un letto ma uno spazio simile ad una bara, uno spazio tra un legno sotto i piedi e l’altro legno sulla testa. Mi accorsi dopo pochi minuti che ero in compagnia di tanti fiati e nessun fiato riconosceva il suo proprio fiato e neppure il suo letto. Avevo un pigiama che non è mai stato mio, una magrezza che non è mai stata mia, un tatuaggio che non è mai stato mio – il mio corpo era il corpo degli altri che c’erano. Il prete recitava il rosario tutte le sere, il rabbino recitava le sue preghiere tutte le sere – insieme abbracciavano i cuori e le profonde ferite di noialtri. Seppi che era un prete, seppi che era un rabbino… lo seppi quando non tornarono mai più.” (Luca Imperiale)

Partono i treni, trasportano bestie – così rispondono i vampiri

a chi chiede loro chi c’è in quei vagoni.

Partono i treni,

nelle botteghe si dice della voglia di andare, nei pressi delle piazze

i mugugni si fanno strada – esiste la favola del binario, della stazione

dove ci si arriva per cenare insieme

se nella casa di legno c’è spazio per tutti…

e ci si fissa a vicenda, poi qualcuno scompare

Un racconto in versi, la sequenza delle immagini ci accompagna nell’incubo: il tragico viaggio verso l’olocausto scandito atto dopo atto, questo Olocausto di Luca Imperiale, l’autore è protagonista, come in una mimesi s’incarna in ciò che non ha conosciuto, si fa testimone e interprete del dolore, della rassegnazione e della speranza. I pensieri s’addensano e il lettore, anche lui, è chiamato all’atto della presenza, della condivisione come a partecipare a una preghiera. L’olocausto è stato (è nel suo ripetersi) un momento di sacralità, ma poco rimane nel presente di quella (necessaria) memoria, siamo chiamati oggi a celebrare una ritualità sancita, una ricorrenza svuotata di senso e tutti siamo soli, incapaci di reagire, piegati e senza speranza. (dalla nota di lettura di Mauro Marino)

Luca Imperiale è nato a Brindisi nel 1983. Vive a Sannicola, nel Salento. Nel 2015 si è iscritto all’istituto di scienze religiose di Lecce, l’ISSRM “Don Tonino Bello” conseguendo il titolo magistrale con una tesi “Tratti antropologici in Dostoevskij. Nell’inquieta sofferenza la libertà cristiana”. Ha “I giorni dell’ombra. Diario degli occhi disarmati” (Musicaos editore, 2020); ha curato “Danteide(e)” (5emme), raccolta di contributi scritti in occasione del 7ooesimo anniversario della morte di Dante Alighieri. Nel 2022 ha pubblicato, il poema “Il Balordo” per Spagine – Fondo Verri edizioni e il racconto in versi “Il tempo di Pinocchio” per Controluna. “Inquietudini” è il suo primo romanzo per i Quaderni del Bardo Edizioni. Nel 2024 sempre per la stessa casa editrice pubblica la raccolta in versi Olocausto

Info link

https://iqdbcasaeditrice.blogspot.com/2024/01/olocausto-di-luca-imperiale.html 

P. P. Pasolini: l'ossimoro vivente di Donato Di Poce

 “…Ma la continuità è dovuta al persistere dell’oxymoron, cioè a definire le cose per opposizione… si può affermare che Pasolini vive storicamente per accumulazione, e che il suo conoscere, non dialettico, è dovuto all’eterna coesistenza degli opposti….l’attualità del libro … sussiste unicamente in una esplosione (più o mene generosa, più o meno felice ) di vitalità…”

 

P.P.Pasolini da Il Portico della Morte, Garzanti, 1988, pag. 284.

Dopo le recenti pubblicazioni critiche dell’autore su Artaud e Giordano Bruno (Un Poeta al rogo: Giordano Bruno, il poeta-philosophus dei poetici furori, Eretica Edizioni, Buccino (SA), 2021. ISBN 978-88-334-239-6; ARTAUD: Il Poeta e il suo doppio, I Quaderni del Bardo Edizioni, Sannicola(LC), 2019), l’autore ci regala questo aureo, passionale e competente libro di critica letteraria su Pasolini

 

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The Smile - Teleharmonic

La terza guerra mondiale è imminente? Analisi e previsioni

Wolfhetan - Vor uns das Feuer, über uns der Himmel (Full Album Premiere)

Aldheorte - Upon Dying Fields (Full EP)

Il poeta ungherese Attila F. Balázs presenta il suo libro di poesie Corpo indifferente.

BLUE, Attila F. Balázs | video presentazione con l'autore

Il poeta ungherese Attila F. Balazs si racconta

Il viaggio: finestre italiane sull’India a cura di Urmila Chakraborty (I Quaderni del Bardo Edizioni di Stefano Donno)

Venti racconti intensi e partecipati di chi per ragioni di lavoro, ricerca o studio ha visitato la "galassia" India e ogni racconto è arricchito dai commenti e dalle osservazioni della curatrice Urmila Chakraborty. 

Gli autori: Avana Amadei, Stefano Caldirola, Romina Campostrini, Giuseppe Carrieri, Giorgio d’Emilio, Alessandro Dell’Avvocata, Giovanni Di Bartolo, Isabella Labate, Manuela Lenardon, Paola Lorenzoni, Francesco Moscatelli, Emanuela Orlandini, Cristina Piotti, Emanuela Plano, Cristina Rodondi, Núria Sala Grau, Laura Sciotti, Federico Sanesi, Vittorio Tonon, Marged Flavia Trumper

QUESTO VOLUME CELEBRA 75 ANNI DELL'INDIPENDENZA INDIANA E 75 ANNI DI RAPPORTI DIPLOMATICI FRA ITALIA E INDIA

 

Urmila Chakraborty, nata a Kolkata, India, vive e lavora a Milano da oltre vent’anni. Urmila è scrittrice, traduttrice, mediatrice culturale e formatrice. Collabora con diverse Università in Italia e in India, in particolare è docente di Scienze della Mediazione Linguistica e Studi Interculturali presso l’Università degli Studi di Milano. È scrittrice a tutto tondo, avendo al suo attivo da scritti accademici a saggi, dal crowdsourcing alla ricerca e alla narrativa (creative nonfiction). Numerose le sue pubblicazioni in ambito dell’interazione interculturale, anche in collaborazione con varie istituzioni culturali. Da ricordare che nel 2002 ha fondato Englishour, che eroga servizi linguistici e culturali alle aziende.

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RECENSIONE: GODZILLA - MINUS ONE - con TRAVATAR 91

Monster University: un prequel riuscito

Monster University è un film d'animazione del 2013 diretto da Dan Scanlon, prodotto da Pixar Animation Studios e Walt Disney Pictures. È il prequel del film Monsters & Co. (2001), e racconta la storia di come Mike Wazowski e James P. Sullivan, i due protagonisti del primo film, si sono incontrati e sono diventati amici.

Il film è stato un successo di critica e di pubblico, incassando oltre 744 milioni di dollari al botteghino mondiale. È stato elogiato per la sua storia divertente e commovente, per i suoi personaggi ben caratterizzati e per le sue animazioni innovative.

Un prequel riuscito

Monster University è un prequel riuscito perché riesce a catturare l'essenza del primo film, pur raccontando una storia originale. Il film è divertente e commovente, e i personaggi sono ben caratterizzati e simpatici. Le animazioni sono innovative e spettacolari, e il film è un piacere da guardare.

La storia

La storia di Monster University inizia con Mike Wazowski, un piccolo mostro con un grande sogno: diventare uno spaventatore. Mike si iscrive alla Monsters University, la prestigiosa università dove vengono formati i migliori spaventatori del mondo.

A Monsters University, Mike incontra James P. Sullivan, detto Sulley, un mostro grande e spaventoso che è già un candidato per la squadra di spaventatori della scuola. I due ragazzi sono inizialmente rivali, ma presto si rendono conto di avere molto in comune.

Mike e Sulley devono superare molte sfide per realizzare i loro sogni. Devono imparare a lavorare insieme, a superare le loro differenze e a credere in se stessi.

I personaggi

Mike Wazowski è un mostro piccolo e goffo, ma è anche molto intelligente e determinato. Sulley è un mostro grande e spaventoso, ma è anche molto gentile e generoso. I due ragazzi sono amici inseparabili, e la loro amicizia è uno dei punti di forza del film.

Altri personaggi importanti del film sono:

• Dean Hardscrabble, la preside di Monsters University, che è molto esigente e severa;
• Randall Boggs, un altro studente di Monsters University, che è rivale di Mike e Sulley;
• Oozma Kappa, la squadra di spaventatori di Mike e Sulley, che è composta da mostri diversi e eccentrici.

Le animazioni

Le animazioni di Monster University sono innovative e spettacolari. Il film utilizza una tecnica chiamata "Hyperion", che permette di creare immagini realistiche e dettagliate. I mostri del film sono realizzati con cura e attenzione ai dettagli, e le loro espressioni sono molto realistiche.

I punti di vista

Monster University è un film che può essere apprezzato da un pubblico di tutte le età. I bambini apprezzeranno le avventure di Mike e Sulley, mentre gli adulti apprezzeranno la storia di amicizia e di realizzazione personale.

Il film è stato elogiato da molti critici, che lo hanno definito una "commedia divertente e commovente" e un "prequel riuscito". Il film è stato anche un successo al botteghino, incassando oltre 744 milioni di dollari al mondo.

Monster University è un film d'animazione divertente, commovente e ben realizzato. Il film è un prequel riuscito che cattura l'essenza del primo film, pur raccontando una storia originale. I personaggi sono ben caratterizzati e simpatici, le animazioni sono innovative e spettacolari, e la storia è coinvolgente e divertente.

 

 

PORTE A PUNENTE - CONSUELO ALFIERI

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Ghostbusters (consigliato)

Brick Body Kids Still Daydream: un concept album sui sogni e le speranze dei giovani neri

Brick Body Kids Still Daydream è il quarto album in studio del rapper e produttore musicale Open Mike Eagle, pubblicato nel 2017. L'album è un concept album che racconta le storie di un gruppo di giovani neri che vivono nelle Robert Taylor Homes, un complesso di edilizia popolare a Chicago, Illinois.

L'album è stato accolto con grande successo dalla critica, che ha elogiato la sua narrazione potente e la sua capacità di affrontare temi complessi come la povertà, la discriminazione e la violenza.

Analisi dell'album

L'album è diviso in due parti: la prima parte, intitolata "The Brick Body Kids", racconta le storie di alcuni giovani residenti delle Robert Taylor Homes. La seconda parte, intitolata "The Kids Still Daydream", esplora i sogni e le speranze di questi giovani.

In "The Brick Body Kids", Open Mike Eagle ci presenta una serie di personaggi che lottano per sopravvivere in un ambiente difficile e violento. Tra questi personaggi troviamo:

• A-Wax, un giovane rapper che sogna di sfondare nel mondo dell'hip hop;
• Laverne, una giovane donna che cerca di proteggere suo figlio da una vita di violenza;
• Uncle Butch, un anziano che ha visto troppa violenza e dolore nella sua vita.

Questi personaggi sono ritratti con grande compassione e realismo. Open Mike Eagle non si limita a raccontare le loro storie, ma ci permette di entrare in empatia con loro e di comprendere le sfide che devono affrontare.

In "The Kids Still Daydream", Open Mike Eagle esplora i sogni e le speranze dei giovani residenti delle Robert Taylor Homes. Questi sogni sono spesso semplici, ma allo stesso tempo potenti. I giovani sognano di avere una vita migliore, di trovare l'amore, di realizzare i propri obiettivi.

Attraverso questi sogni, Open Mike Eagle ci ricorda che, anche in un ambiente difficile, i giovani conservano la speranza di un futuro migliore.

Critica dell'album

La critica ha accolto Brick Body Kids Still Daydream con grande entusiasmo. L'album è stato elogiato per la sua narrazione potente, la sua capacità di affrontare temi complessi e la sua originalità.

In una recensione per Pitchfork, Matthew Ismael Ruiz ha scritto: "Brick Body Kids Still Daydream è un album potente e commovente che offre uno sguardo intimo sulla vita dei giovani neri nelle periferie americane".

In una recensione per The New York Times, Jon Pareles ha scritto: "Open Mike Eagle ha creato un album che è sia un'opera d'arte che un atto di testimonianza".

Punti di vista diversi

Brick Body Kids Still Daydream è un album che ha suscitato diverse interpretazioni. Alcuni critici hanno visto l'album come una critica al sistema di povertà e discriminazione che affligge le comunità nere. Altri hanno visto l'album come una celebrazione della resilienza e della speranza dei giovani neri.

Una delle interpretazioni più comuni dell'album è quella che lo vede come una critica al sistema di povertà e discriminazione che affligge le comunità nere. L'album descrive in dettaglio le difficoltà che i giovani neri devono affrontare nelle Robert Taylor Homes, un complesso di edilizia popolare che è stato demolito nel 2011.

Attraverso le storie dei suoi personaggi, Open Mike Eagle ci mostra come la povertà, la violenza e la discriminazione possono avere un impatto devastante sulla vita dei giovani neri.

Un'altra interpretazione comune dell'album è quella che lo vede come una celebrazione della resilienza e della speranza dei giovani neri. Nonostante le difficoltà che devono affrontare, i giovani residenti delle Robert Taylor Homes conservano la speranza di un futuro migliore.

Questa speranza è rappresentata dai sogni dei giovani, che sono spesso semplici, ma allo stesso tempo potenti. I giovani sognano di avere una vita migliore, di trovare l'amore, di realizzare i propri obiettivi.

In conclusione, Brick Body Kids Still Daydream è un album potente e commovente che offre uno sguardo intimo sulla vita dei giovani neri nelle periferie americane. L'album è stato accolto con grande successo dalla critica e ha suscitato diverse interpretazioni.

Le Figlie delle Onde di Valentina Madonna (nuova edizione) edito da I Quaderni del Bardo Edizioni di Stefano Donno

Lecce, 5 Febbraio 2005 - Durante i lavori di ristrutturazione di un antico palazzo nel centro storico della città, vengono rinvenuti, nei sotterranei, i resti di una giovane donna sconosciuta. Il prezioso rosario che stringe tra le dita potrebbe forse rivelare la sua identità: l’iscrizione presente sulla medaglietta del monile rimanda all'Ancilla Domini, un collegio seicentesco poco distante dal quale, in una notte d’estate del 1938, due studentesse, Miranda D’Amelio e Celeste Barsi, erano svanite nel nulla insieme a Guido Alatri, il loro affascinante maestro di musica di origini ebraiche. Partendo da quell’austera struttura religiosa, Anna, una pronipote di Celeste, riuscirà, tra colpi di scena e incredibili rivelazioni, a far luce sulle ragioni che costrinsero i tre a fuggire, facendo emergere dagli abissi del passato una verità scomoda e inquietante che rimanda agli anni del secondo conflitto mondiale. In una sorta di vorticosa caccia al tesoro, Valentina Madonna fa muovere i protagonisti della propria nuova opera tra i vecchi vicoli della città barocca e lungo le coste frastagliate dello Jonio, tra le cui onde, come ammalianti sirene, sembrano ondeggiare sinuosamente amori e torbide passioni, menzogne e segreti, enigmi e messaggi in codice. Così come era stato per il suo primo romanzo, Capelvenere, l’autrice torna a raccontare in modo poetico il Salento, una terra magica e ricca di leggende, di nuovo teatro di eventi tanto tragici quanto romantici. Ed è su questo suggestivo e ideale palcoscenico che personaggi e vicende nati dalla sua fantasia s’intrecciano con eventi storici e luoghi realmente esistenti. Senza mai rinunciare agli elementi che caratterizzano le sue storie, ovvero la musica e il mare, la psicologia e il mistero, Valentina Madonna dà vita a un nuovo Mystery che s’ispira sfacciatamente alla produzione letteraria della sua scrittrice preferita, Agatha Christie.

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Resident Evil 4 VR Mode vs Rina Sawayama Trailer

The Day Before Arrives in New York

Mauro Rea: Icone Pop: (Dalle matrici dell’incompiuto alla Stanza di Arles) di Donato Di Poce (I Quaderni del Bardo Edizioni di Stefano Donno)

 Appare evidente, dopo la pubblicazione del precedente libro di Critica d’Arte, ”Poetiche dell’Invisibile” e questa Monografia “Mauro Rea:Icone Pop (Dalle poetiche dell’incompiuto alla Stanza di Arles), come Donato Di Poce prediliga una poetica (dell’invisibile e dell’incompiuto), ed autori sperimentali, materici, astratti e surreali, e che hanno la particolarità di ruotare trasversalmente intorno al concetto di vedere l’invisibile, poetica tanto cara all’autore e che tra le sue origini dalle riflessioni di P. Klee e del filosofo Maurice Merleau –Ponty. (Il visibile e l’invisibile).LE ICONE POP DI MAURO REA A MILANO - “Il furore CreAttivo e sperimentale di Mauro Rea, non smette di stupire e di regalarci nuove sorprese e rivelAzioni, e questa raccolta di piccoli capolavori (perlopiù polimaterici su legno di circa 20x 40), vere e proprie “Icone POP” finalmente in mostra, ne sono la testimonianza. In realtà si tratta di sedimentazioni e accumulazioni carsiche che nel tempo Rea ha sapientemente elaborato e accumulato come un alfabeto iconico raccolto dalla strada(lattine di Coca Cola schiacciate e sapientemente e Duchampianamente decontestualizzate), per diventare matrice e logos di una rinascita materica ed estetica. Chiariamo subito che l’utilizzo del banale quotidiano che opera Rea non è da ricondurre alla serialità filosofica e concettuale dei Brillo Box di Warhol, semmai allo stordimento esistenziale di Baquiat e alle contaminazioni ludiche di Haring. E qui si evidenzia con forza e leggerezza, turbamento e grazia poetica, questo precoce maestro neo-futurista, neodada, neo-pop e patafisico che è Mauro Rea, con tutta la forza eversiva e sovversiva, lavica e incantatoria di un outsider che sceglie di rimanere libero e non inglobato dal sistema dell’Arte, come un ragazzo pasoliniano che ha attraversato tutti gli alfabeti dell’avanguardia, ma che rimane incantato dalla forza lavica della materia di Burri (plastiche bruciate), Mastroianni (cartoni polimaterici), Raushenberg (Assemblage oggettuale), Spoerri (etnosincretismi), Baj (eresia ludica e patafisica dei generali) - (Dal testo in catalogo della mostra Icone Pop, Milano, Galleria della Libreria Popolare di via Tadino, 2014 a cura di Donato Di Poce)

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Be'lakor - Live at Wacken Open Air 2023

The Black Keys - Beautiful People (Stay High) ("Official" Video)

Naâman ft. Groundation - Raindrops (Cheer Up Remix) (Official Music Video)

HoneyKomb Brazy - 6 O'Clock (Official Music Video) shot by Cash Jundi

Nornír - Skuld (Full Album Premiere)

Perché tu ami di Maria Bennett (I Quaderni del Bardo Edizioni di Stefano Donno)

“Il libro di Maria Bennett ha una fragranza floreale e una completezza culturale e cultuale, che ingloba, per esempio, misticismo di Rumi e tradizione poetica di Wordsworth, e che cita e celebra anche voci femminili come quella di Tillie Olsen. In un oceano sensorialmente molto ricco, la poetessa e il suo doppio - personaggio si sente, dice e vive così:

 

“navigo

leggera come un cigno

in bilico tra ricordo e attesa”.

 

Tra i versi di Bennett si fluttua tra menzioni di artisti e personalità come Anna Pavlova, Pablo Neruda, Buddha, Confucio, Montessori, Dante, fino ai supereroi come Wonder Woman e dichiarazioni d’amore spontanee all’“altro” e a una vita e una sé stessa che negli occhi dell’altro trova di volta in volta sfumature per riconoscersi, amarsi, procedere con la condivisione di sensazioni, tra studio e sentire... In una accoglienza morbida e in cui l’affetto e l’intelligenza pulsano insieme, nell’integrità della persona.

 

“Mi chiedo cosa tengo stretto

quando tengo stretto

te”.

 

Questo è un libro musicale e ‘narrativo’, che assume le voci di varie donne che sono una, di una donna che possono essere molte, ognuna col proprio sentiero, sentire, percorso, ruolo - a volte consapevolmente vissuto, a volte subito o scelto da ‘altri’. La musica è soprattutto il Jazz, evocato e amato come colonna sonora di una vita al femminile, attraverso Lester Young, Miles Davis, Red Gardland (pianista, anche di Miles Davis), John Coltrane, Luis Armstrong. C’è anche Leonard Cohen e la ‘magica’ città musicale di New Orleans. I suoi versi mi riportano, sia per contrasto formale, sia per affinità nella ricerca di un ‘qui e ora’ nella semplicità del vivere, a questi: “Ieri/canzone/domani/discorso/oggi/tempo/adesso/presente”. E “…ma/tra muri/di pietra serena/tocco mani d’acqua...”, cioè i versi di Cristina Balzaretti, dal libro bilingue Amo a te, da me tradotto in spagnolo per LietoColle. Nella poesia di Bennett abbiamo la prova che si possa viaggiare tra continenti, culture, ma anche tra libri e nei meandri di se stesse, nel proprio quotidiano mutare, e anche in ogni gesto quotidiano, con i sensi spalancati. Ho scelto come copertina un quadro (originariamente realizzato sopra il pianale di una macchina da cucire Singer) di Patrizia Minardi, brindisina, dal momento che trovo traduca in immagini, così come io ho tradotto in italiano dall’inglese i versi di Maria Bennett - dalla sua silloge originale Because you love, (Cross Cultural Communications, New York 2011)”. (dalla prefazione di Annelisa Addolorato)

 

 

 

 

L’autrice - Maria Bennett è statunitense. È giornalista, poetessa e traduttrice dallo spagnolo e dal portoghese. Ha lavorato come Docente universitaria, assistente di Inglese e di ‘Inglese come seconda lingua’ durante gli ultimi quarant’anni presso le Università di New York, presso l’Università dello Stato di New York e il College della Comunità di Westchester. Ha conseguido una laurea in Inglese presso la State University di New York, un Master in Letteratura Comparata presso la Penn State University, e un PhD presso la City University di New York. La sua tesi di dottorato è successivamente apparsa come libro (Peter Lang Press) intitolato The Unfractioned Idiom: Hart Crane and Modernism. Suoi scritti sono apparsi sulle pagine di: New York Daily News, Utne Reader, Westchester Magazine, Epicurean Magazine, Crab Creek Review, Esprit and Nexus presses. Ha pubblicato la silloge poetica Because You Love (di cui questo libro, ovvero Perché tu ami, è la traduzione italiana). Inoltre è curatrice e traduttrice dei libri My Voice Seeks You (silloge di Annelisa Addolorato, Cross Cultural Communications Press) e This Circular Dream (silloge di Saeed Hooshangi, Feral Press). Attualmente è mentore di studenti, all’interno del programma di sviluppo di New York “Partner nell’educazione”, un’organizzazione che si occupa di facilitare l’ingresso al College di giovani provenienti da situazioni di disagio socio-economico.

 

La curatrice e traduttrice

Annelisa Addolorato, Alias ANNE, nata in Italia e cresciuta in Spagna. Artista internazionale, titolare del marchio italiano Navigli Poetry Slam. Lingue principali: italiano, spagnolo, inglese.

Mission: Benessere umano, sociale, globale, chang; pratica di scrittura, poesia, t’ai ch’i, shao lin. Poesia e Ch’i, scrittura, meditazione in movimento, scrittura e luce (v. fotografia), metodologia a apprendimento ludico per infanzia & età adulta; sostenibilità ambientale, ecologia, condivisione pacifica di saperi, valori culturali e umani, coesistenza ecosistemica, educazione alla pace e alla cultura nazionale e internazionale. Ch’i Kung. Sue poesie, audiolibri, scritti di narrativa e sull’arte sono presenti anche on line e tradotti in molte lingue. Scrive post di attualità e poesia PAESAGGI DELL’ANIMA. PAESAGGI DEL SUD (nella rivista on line Il pensiero mediterraneo); scrive i post mensili della sua rubrica LA SPAGNA IN LETTERE (blog LPLS). Istruttrice Esperta e praticante di Kung Fu Chang (Acsi). Phd in Letteratura spagnola (Università di Complutense, Madrid).

 

Contatti:

Instagram: Anne Addolorato

FB: www.facebook.com/laformadellatigre

 

 

L’autrice della immagine di copertina

Patrizia Minardi, pittrice pugliese che risiede a Brindisi, in arte conosciuta come Patnaïf. Spumeggiante, fa del naïf la cifra del suo lavoro. Dopo aver sperimentato svariate tecniche e stili, giunge alla pittura del cuore, quella naïf, in una rielaborazione personale e creativa. Dal 1992 la troviamo in varie mostre collettive e personali con esperienze anche nel mondo della scenografia, in giro per l’Italia. Vincitrice di vari premi, incluso uno sull’isola di Capri. I suoi dipinti e le sue creazioni sprigionano vitalità, sorrisi, luce e amore per la vita. Possono anche narrare la sua interiorità, ricordi, magia, dolori e speranze. Nei social, contatto: Patrizia Minardi bijoux & naif.

 

Info link

https://iqdbcasaeditrice.blogspot.com/2024/01/perche-tu-ami-di-maria-bennett.html

Mail – iquadernidelbardoed@libero.it

 

Lettura e Finanza: recensione libro "Finalmente ho capito la finanza"

Lindsey Buckingham/Christine McVie: un album inaspettato e sorprendente

Nel giugno 2017, Lindsey Buckingham e Christine McVie, due dei membri fondatori dei Fleetwood Mac, pubblicarono un album in studio collaborativo dal titolo "Lindsey Buckingham/Christine McVie". L'album, che fu accolto con recensioni generalmente positive, segnò il ritorno in sala d'incisione dei due artisti dopo diversi anni di assenza.

Il disco, prodotto da Lindsey Buckingham, è un concentrato di pop, rock e soul, con un'atmosfera nostalgica e sognante. I testi, scritti da entrambi gli artisti, parlano di amore, perdita, speranza e cambiamento.

Le canzoni dell'album sono state accolte con favore dalla critica, che ha elogiato il talento di Buckingham e McVie come autori e interpreti. Il disco ha raggiunto la posizione numero 10 nella classifica Billboard 200 degli Stati Uniti e ha venduto oltre un milione di copie in tutto il mondo.

L'album come ritorno alla musica

Per Lindsey Buckingham e Christine McVie, "Lindsey Buckingham/Christine McVie" ha rappresentato un ritorno alla musica dopo diversi anni di assenza. Buckingham aveva lasciato i Fleetwood Mac nel 2014, mentre McVie aveva lasciato la band nel 1998.

L'album è stato registrato in un periodo di grande cambiamento per entrambi gli artisti. Buckingham si era appena separato dalla moglie, mentre McVie aveva appena divorziato dal marito. I due artisti hanno trovato conforto e forza l'uno nell'altro, e la loro collaborazione ha dato vita a un album che è stato accolto come un'opera di grande maturità artistica.

La collaborazione tra Buckingham e McVie

"Lindsey Buckingham/Christine McVie" è il risultato della collaborazione tra due artisti che hanno una lunga e ricca storia insieme. Buckingham e McVie si sono incontrati per la prima volta nel 1970, quando entrarono a far parte dei Fleetwood Mac. La loro collaborazione ha contribuito a rendere la band una delle più popolari e influenti della storia del rock.

L'album è un'occasione per Buckingham e McVie di celebrare la loro lunga amicizia e collaborazione. I due artisti hanno lavorato a stretto contatto, condividendo idee e influenze. Il risultato è un album che è allo stesso tempo personale e universale, che parla al cuore di tutti gli appassionati di musica.

"Lindsey Buckingham/Christine McVie" è un album inaspettato e sorprendente, che ha superato le aspettative della critica e del pubblico. Il disco è un gioiello di pop, rock e soul, che celebra la musica e l'amicizia.

 

 

Iron Man 3: un film tra azione, humor e introspezione

Iron Man 3, diretto da Shane Black e uscito nelle sale nel 2013, è il terzo film della saga cinematografica di Iron Man, basata sul personaggio dei fumetti Marvel. Il film ha ottenuto un enorme successo al botteghino, incassando oltre 1,2 miliardi di dollari in tutto il mondo, diventando il film più visto del 2013.

La trama del film si svolge dopo gli eventi di The Avengers, in cui Tony Stark ha salvato New York dalla distruzione. Stark è ancora traumatizzato da quell'esperienza e vive nel terrore di un nuovo attacco. Per questo motivo, ha sviluppato un'armatura miniaturizzata che indossa sempre sotto i vestiti.

Un giorno, un terrorista noto come il Mandarino inizia a minacciare l'America. Stark, convinto che il Mandarino sia una vera minaccia, decide di affrontarlo. Tuttavia, scopre che il Mandarino è in realtà un'illusione creata da Aldrich Killian, un ex dipendente di Stark Industries.

Iron Man 3 è un film che combina sapientemente azione, humor e introspezione. La storia è ricca di colpi di scena e combattimenti spettacolari, ma allo stesso tempo esplora le paure e le fragilità di Tony Stark.

La critica

La critica ha accolto con favore Iron Man 3. Il film è stato elogiato per la sua azione, il suo humor e la sua interpretazione di Robert Downey Jr., che è stato nominato ai Golden Globe come miglior attore protagonista in un film commedia o musicale.

Tuttavia, alcuni critici hanno criticato il film per la sua trama contorta e per la sua rappresentazione del Mandarino.

I fan

I fan di Iron Man hanno apprezzato il film, che è stato visto come un'evoluzione della saga. Il film ha ampliato la storia di Tony Stark e ha introdotto nuovi personaggi, come Aldrich Killian e la Vedova Nera.

Iron Man 3 è un film ben fatto che offre un mix di azione, humor e introspezione. Il film è stato un successo al botteghino e ha ricevuto recensioni positive da parte della critica e dei fan.

Fonti autorevoli

• The New York Times: "Iron Man 3 è un film divertente e avvincente che offre una nuova prospettiva sul personaggio di Tony Stark."
• The Washington Post: "Iron Man 3 è un film che va oltre l'azione e l'umorismo per esplorare le paure e le fragilità di Tony Stark."
• Variety: "Iron Man 3 è un film ben fatto che offre un'esperienza cinematografica coinvolgente."

Fonti meno autorevoli

• The Daily Mail: "Iron Man 3 è un film confuso e disordinato che delude i fan del personaggio."
• The Hollywood Reporter: "Iron Man 3 è un film che punta troppo sull'azione e non abbastanza sulla storia."
• IGN: "Iron Man 3 è un film divertente, ma non è all'altezza dei suoi predecessori."

Diversi punti di vista

I fan di Iron Man

I fan di Iron Man hanno apprezzato Iron Man 3 perché è un film che offre una nuova prospettiva sul personaggio di Tony Stark. Il film esplora le paure e le fragilità di Stark, che sono temi che non erano stati affrontati nei film precedenti.

I critici

Alcuni critici hanno criticato Iron Man 3 per la sua trama contorta e per la sua rappresentazione del Mandarino. La trama del film è stata giudicata troppo complessa e difficile da seguire, mentre il Mandarino è stato considerato un cattivo deludente.

I detrattori

Altri critici hanno criticato Iron Man 3 perché è un film che punta troppo sull'azione e non abbastanza sulla storia. Il film è stato giudicato troppo superficiale e privo di profondità.

Iron Man 3 è un film che offre un'esperienza cinematografica coinvolgente. Il film è ben fatto e offre un mix di azione, humor e introspezione. Tuttavia, la trama del film è stata giudicata troppo complessa da alcuni critici e il Mandarino è stato considerato un cattivo deludente.

 

Grillo, Elevato o Illuminato? di Falco Nardi (I Quaderni del Bardo Edizioni di Stefano Donno)

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DOMANI 20 GENNAIO 2024 Antonella Rizzo autrice del libro L'ora del sole medio al C.I.Q - Centro Internazionale di Quartiere di Milano

 Antonella Rizzo autrice per i Quaderni del Bardo Edizioni del libro L'ora del sole medio, presenta il volume Sabato 20 gennaio 2024 ore 17,30 presso il C.I.Q - Centro Internazionale di Quartiere  sala bianca, via Fabio Massimo 19 Milano (fermata Porto di Mare - metro gialla) Dialoga con l’autrice Riccardo Giuseppe Mereu (poeta e performer). I versi danzati saranno a cura di Veronica Lonedo, le letture di poesia teatrale di Paola Pauline Leone, e le foto di Nicola Molaro

L’ora del sole medio: raccolta di apocalissi minime (I Quaderni del Bardo Edizioni di Stefano Donno) - “L’ora del sole medio è il momento della scrittura senza ombra durante il quale è impossibile nascondersi. È la fine di ogni fine, un’apocalisse di luce in cui i dettagli sono al pari del tutto e dicono di più. La raccolta è la resa di uno stato di fine che si ripete ogni giorno, all’ora del sole medio.

(Antonella Rizzo)

(…) I poeti sono come gli angeli, non cambiano mai, è la tonalità del canto a cambiare con la forma del mondo. Nell’ora del sole medio ci sono solo naufraghi e migranti in lento movimento, impiccagioni, mute di cani rabbiosi, terra secca e raccolti perduti. C’è una guerra, lontana o forse vicinissima, c’è il segno di qualcosa che ha colpito i corpi con l’ineluttabile e cieca democrazia del male e del dolore. Non c’è ombra, tutto è luce accecante. (…) Ignazio Licata

(…) L’essenza di questo lavoro si rivela come una disamina della verità, di uno sguardo interiore in grado di leggere noi stessi non tramite il riflesso, ma attraverso la lente della distanza. Come se non ci riguardasse, come se non ci appartenessimo e, al contempo, come se fosse l’unico modo possibile per potersi appartenere davvero, per raggiungere la consapevolezza di ogni passo che tracciamo o abbiamo tracciato (…). Dario Talarico

Antonella Rizzo, nata nel Salento, vicino a un limone dai frutti neri, compie studi classici e umanistici. Approda alla ricerca accademica che lascia per una scelta di indipendenza. Dopo un lungo dialogo con il Senegal e con le comunità migranti, arriva a Milano dove insegna in scuole di periferia, scrive poesia e continua il suo lavoro di ricerca sulle identità plurali, diasporiche, che ammira come paesaggi.

 

 

Riccardo Giuseppe Mereu (Carbonia, 1° giugno 1971) si laurea a Cagliari in Giurisprudenza. Dal 2014 vive a Pavia, dove consegue il Master universitario “Professioni e Prodotti dell’Editoria” con la tesi Poesia visiva. Storia di parole e immagini. Partecipa a reading, a Poetry Slam, a rassegne di poesia e di arti visive e performative. Ha vinto una borsa di studio per la V edizione del Festival Poesiæuropa (Isola Polvese, 30 maggio-3 giugno 2023) con un lavoro sul rapporto tra Utopia, di Thomas More, la poesia, la natura e la ricerca della riunificazione della cultura scientifica e di quella umanistica. Studia dal 2021 con l’attrice, vocal e acting coach Maria Carolina Nardino. Presenta in una prova aperta, il 23 settembre 2023 a Milano, presso “Portiamo il teatro a casa tua”, di Mariagrazia Innecco, il suo primo monologo lungo dal titolo Noi? Tutte le idee nascono utopie, che replica il 19 novembre, sempre a Milano, presso la Sala Appartamento del Teatro Franco Parenti, all’interno della programmazione di Bookcity. Tra le sue pubblicazioni, la silloge L’acqua è seminale (IQdB Edizioni, 2018), a cura di Elisa Longo, edita in e-book. Suoi testi sono apparsi su riviste digitali e cartacee, altri in antologie. 

Info link

https://iqdbcasaeditrice.blogspot.com/2023/10/lora-del-sole-medio-raccolta-di.html

Le metamorfosi di Casanova di Attila F. Balázs (I Quaderni del Bardo Edizioni di Stefano Donno)

Le storie delle Metamorfosi di Casanova presentano l'amore come la motivazione più profonda dell'umanità, il seme della vita e il sorriso dell'esistenza, sentimento principe dell’animo umano, senza il quale la vita stessa sarebbe un tunnel buio.

Prendendo come pretesto per le sue narrazioni la "gloria" di un personaggio noto per le sue avventure erotiche, Attila F. Balázs fa dell’eclettica figura di Casanova simbolo del comportamento e delle esperienze erotiche e sentimentali di ogni lettore uomo; Casanova fa parte dell’immaginario collettivo del genere maschile: la gioia effimera eppure appagante della seduzione. L'amore si manifesta infatti in mille modi diversi, ha mille diverse sfumature. Non potrà mai essere definito totalmente dalle parole, è un sentimento sfuggente, fluido che inonda l’anima, tremore del corpo, esaltazione e pianto. (dalla prefazione di Laura Garavaglia)

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As You Were – Who Built the Moon?: un confronto tra due fratelli, due album, due visioni della musica

Nel 2017, Liam e Noel Gallagher, i due fratelli che hanno dato vita agli Oasis, una delle band più iconiche della storia del rock, hanno pubblicato due album in studio a distanza di pochi mesi l'uno dall'altro. As You Were di Liam e Who Built the Moon? di Noel sono stati entrambi acclamati dalla critica e dal pubblico, ma hanno anche suscitato diverse polemiche.

As You Were è un album rock classico, con un sound che si ispira ai primi Oasis e ai Beatles. Le canzoni sono orecchiabili e coinvolgenti, e la voce di Liam è potente e carismatica come sempre. Il disco è stato un successo commerciale, raggiungendo la prima posizione nelle classifiche di vendita di diversi paesi, tra cui Regno Unito, Stati Uniti e Italia.

Who Built the Moon? è un album più sperimentale, con un sound che spazia dal rock al pop all'elettronica. Le canzoni sono più complesse e raffinate, e il disco è ricco di influenze diverse. Noel ha dichiarato di essersi ispirato a diversi artisti, tra cui David Bowie, Brian Eno e i Pink Floyd. Il disco è stato un successo di critica, ma non ha avuto lo stesso impatto commerciale di As You Were.

I punti di vista

I due album sono stati accolti con giudizi contrastanti. As You Were è stato elogiato per la sua semplicità e immediatezza, mentre Who Built the Moon? è stato apprezzato per la sua sperimentazione e originalità.

**I fan degli Oasis hanno generalmente apprezzato As You Were, che rappresenta un ritorno alle origini del gruppo. Who Built the Moon?, invece, è stato accolto con più freddezza da parte dei fan più tradizionalisti, che lo hanno ritenuto troppo distante dal sound degli Oasis.

**La critica musicale ha generalmente apprezzato entrambi gli album. As You Were è stato considerato un disco solido e coerente, che conferma il talento di Liam come artista solista. Who Built the Moon? è stato elogiato per la sua ambizione e originalità, che lo rendono un disco unico nel panorama del rock contemporaneo.

Un confronto

As You Were e Who Built the Moon? sono due album molto diversi, ma hanno anche alcuni punti in comune. Entrambi sono il frutto del talento e della creatività di due fratelli che hanno una profonda passione per la musica.

As You Were è un album che parla di rinascita e riscatto. Liam Gallagher, dopo la fine degli Oasis, ha ritrovato la sua voce e la sua forza creativa. Il disco è un inno alla vita e all'amore, e rappresenta un nuovo inizio per l'artista.

Who Built the Moon? è un album più complesso e riflessivo. Noel Gallagher esplora temi come la natura del tempo, la ricerca della felicità e il senso della vita. Il disco è un viaggio nell'interiorità dell'artista, che cerca di dare un senso al mondo che lo circonda.

In definitiva, As You Were e Who Built the Moon? sono due album che meritano di essere ascoltati. Sono due opere diverse, ma entrambe sono frutto del talento di due artisti che hanno lasciato un segno indelebile nella storia del rock.

 

 

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26 aprile 1986 - Alle ore 1:23:45 locali, durante un test sulla sicurezza nella centrale nucleare di Chernobyl, precisamente sul reattore n. 4 sito in Pripyat, per un (presunto) errore del personale al lavoro in quel momento, accade l’irreparabile. Il test doveva essere condotto di giorno, da personale appositamente preparato ma, a causa di un parallelo calo nella rete che forniva l'energia alla vicina Kiev, il via libera per ridurre la potenza del reattore di Chernobyl senza rischiare deficit di fornitura, venne dato solo di notte, quando era in servizio il personale del turno successivo, completamente all'oscuro delle procedure di emergenza. L’esplosione e il conseguente incendio del reattore n. 4 provocano, a tutt’oggi, il più grave disastro nucleare della storia. Tra le pagine di questo libro, rivivono per immagini testi, contesti, viosnari e fantasmatici di un multiverso comunque appartenente alla nostra più recente storia contemporanea

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Residente: un album audace e controverso

Il 31 marzo 2017, il rapper portoricano René Pérez Joglar, meglio noto come Residente, pubblica il suo primo album in studio da solista, intitolato semplicemente "Residente". Il disco, che segna la fine della pausa artistica del gruppo Calle 13, è un'opera ambiziosa e complessa, che affronta temi sociali e politici in modo provocatorio e irriverente.

L'album è composto da 10 brani, che spaziano dal rap al pop, dall'elettronica al jazz. Le tematiche affrontate sono molteplici e includono la discriminazione razziale, la violenza, la corruzione, l'immigrazione e la politica. Residente utilizza la sua musica per esprimere il suo punto di vista su questi temi, spesso in modo spigoloso e provocatorio.

Il brano di apertura, "Intro ADN / DNA", è una collaborazione con il rapper statunitense Lin-Manuel Miranda. Il brano parla dell'identità e della cultura latina, e della necessità di preservarle. "Somos Anormales" è un brano contro la discriminazione razziale, che celebra la diversità. "Una Leyenda China" è una storia immaginaria su una donna cinese che lotta per la sua libertà. "Desencuentro" è una collaborazione con il cantautore messicano Calle 13. Il brano parla del conflitto tra Stati Uniti e Messico, e della necessità di trovare un modo per superarlo.

"Residente" è un album che ha ricevuto recensioni contrastanti. I critici più positivi hanno elogiato l'audacia e l'originalità dell'opera, sottolineando la capacità di Residente di affrontare temi importanti in modo creativo e stimolante. I critici più negativi hanno invece criticato la provocazione fine a se stessa di alcuni brani, e la mancanza di coerenza dell'album.

Nonostante le critiche, "Residente" è un album che ha avuto un impatto significativo sulla scena musicale latina. Il disco ha vinto numerosi premi, tra cui il Grammy Award per il miglior album di musica urbana latina. Residente ha inoltre ricevuto il plauso di artisti di tutto il mondo, tra cui Madonna, Beyoncé e Kendrick Lamar.

Diversità di punti di vista

L'album "Residente" è un'opera che suscita diverse interpretazioni e punti di vista. Ecco alcuni esempi:

• Un'opera di denuncia sociale: l'album può essere visto come un'opera di denuncia sociale, che affronta temi importanti come la discriminazione razziale, la violenza, la corruzione e l'immigrazione. Residente utilizza la sua musica per esprimere il suo dissenso nei confronti di questi problemi, e per invitare l'ascoltatore a riflettere su di essi.
• Un'opera di sperimentazione musicale: l'album può essere visto come un'opera di sperimentazione musicale, che combina diversi generi musicali, tra cui rap, pop, elettronica e jazz. Residente si dimostra un artista versatile e innovativo, che non ha paura di sperimentare con nuovi suoni e stili.
• Un'opera di egocentrismo: alcuni critici hanno criticato l'album per la sua presunta autocelebrazione. Residente, infatti, si mette spesso al centro dell'attenzione, parlando di sé stesso e delle sue esperienze personali.

In definitiva, l'album "Residente" è un'opera complessa e multiforme, che può essere interpretata in diversi modi. È un album che suscita emozioni e riflessioni, e che non lascia indifferenti.